Belcanto é uma técnica de canto virtuoso. Treinamento vocal. cantando ópera

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Última modificação: 2023-12-17 05:47

Linhas longas de frases musicais, passagens melódicas e graças, controle de voz incrível e beleza afiada do canto virtuoso. Na virada dos séculos XVI para XVII, surgiu na Itália uma escola de canto, que deu ao mundo uma técnica vocal performática, que os italianos, ávidos de termos pretensiosos, deram o nome de bel canto (bel canto) - “canto bonito”. Não vamos exagerar, marcando este período como o início do apogeu dos vocais teatrais e o ponto de partida para o desenvolvimento do gênero ópera.

O Nascimento da Ópera: Florença

As primeiras óperas que surgiram no período descrito devem seu nascimento a membros de um pequeno círculo de amantes da arte antiga, formado em Florença e inserido na história da música sob o nome de "Florence Camerata". Os fãs da antiga tragédia grega sonhavam em reviver a antiga glória desse gênero e eram da opinião que os atores não falavam, mas cantavam as palavras, usando o recitativo, uma transição melódica suave de sons, para reproduzir o texto.

As primeiras obras escritas sobre o enredo do antigo mito grego de Orfeu tornaram-se o impulso para o nascimento de um novo gênero musical- óperas. E as partes vocais solo (árias) que lhe serviam de parte integrante obrigavam os cantores a dedicar-se seriamente ao treino da voz, razão pela qual surgiu a arte do belo canto – o bel canto. Isso implicou a capacidade de executar fragmentos melódicos persistentes em uma longa respiração, mantendo uma produção de som suave ao longo da frase musical.

Escola napolitana

No final do século XVII, formou-se a tradição operística napolitana, estabelecendo finalmente a arte do bel canto no palco teatral. Foi tanto um desenvolvimento da ideia florentina quanto uma mudança nela. Em Nápoles, a música e o canto tornaram-se o principal componente da performance, e não a poesia, que até então tinha o papel dominante. Essa inovação agradou o público e causou grande entusiasmo.

Compositores napolitanos transformaram estruturalmente a ópera. Não abandonaram o uso de recitativos, que dividiram em diferentes tipos: acompanhados (acompanhados por orquestra) e secos, contendo informações apresentadas de forma coloquial a acordes raros de cravo para manter a tonalidade musical. O treinamento vocal, que se tornou obrigatório para os artistas, aumentou a popularidade dos números solo, cuja forma também sofreu mudanças. Surgiram árias típicas em que os personagens expressavam sentimentos de forma generalizada, em relação à situação, e não a partir da imagem ou personagem. Árias tristes, bufonarias, cotidianas, apaixonadas, de vingança - o espaço interior da ópera napolitana estava repleto de conteúdo animado.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

Excelente compositor e entusiasta Scarlatti entrou para a história como o fundador da escola de ópera de Nápoles. Ele criou mais de 60 obras. O gênero de ópera séria (ópera séria), criado por Scarlatti, contou sobre a vida de heróis famosos com a ajuda de um enredo mitológico ou histórico. O canto da ópera empurrou a linha dramática da performance para segundo plano, e os recitativos deram lugar às árias.

A ampla gama de partes vocais na ópera séria expandiu os requisitos que as vozes operísticas tinham que atender. Os intérpretes melhoraram na arte de cantar, embora às vezes isso levasse a curiosidades - cada um deles queria que o compositor incluísse árias na ópera que enfatizassem favoravelmente a dignidade da voz. O resultado foi uma coleção de números solo não relacionados, o que levou a ópera séria a ser chamada de "concerto de fantasia".

Beleza e artesanato

Outra contribuição da escola de ópera napolitana para o desenvolvimento do bel canto foi o uso de decorações ornamentais (coloratura) da paleta musical nas partes vocais. Coloratura foi usado no final das árias e ajudou os performers a demonstrar ao público o grau de controle de voz. Grandes s altos, trinados, passagens encadeadas, o uso de sequência (repetição de uma frase musical ou de uma virada melódica em diferentes registros ou tonalidades) - aumentava assim a paleta expressiva utilizada pelos virtuosos do bel canto. Isso levou ao fato de que o grau de habilidade do cantor era frequentemente avaliadode acordo com a complexidade da coloratura que ele executa.

A cultura musical italiana fez grandes exigências. As vozes de cantores famosos se distinguiam por sua beleza e riqueza de timbre. O treinamento vocal ajudou a melhorar a técnica de desempenho, alcançar uniformidade e fluência do som em todas as faixas.

Primeiros conservatórios

A demanda pelo bel canto levou à formação das primeiras instituições de ensino que formavam cantores. Orfanatos - conservatórios - tornaram-se as primeiras escolas de música na Itália medieval. A técnica do bel canto era ensinada neles com base na imitação, repetição após o professor. Isso explica o alto nível de formação dos cantores da época. Afinal, eles estudaram com mestres reconhecidos como Claudio Monteverdi (1567-1643) ou Francesco Cavalli (1602-1676).

Os alunos foram compostos de exercícios especiais para o desenvolvimento da voz, solfejo, que deveriam ser repetidos, melhorando a técnica do canto e desenvolvendo a respiração - habilidades tão necessárias para o bel canto. Isso levou ao fato de que, tendo começado a treinar aos 7-8 anos, aos 17 anos, artistas profissionais para o palco da ópera emergiram das paredes do conservatório.

Gioachino Rossini (1792-1868)

Com sua aparição, o bel canto italiano predeterminou a tendência de desenvolvimento da cultura musical da ópera para os próximos três séculos. Um marco em seu desenvolvimento foi a obra do compositor italiano G. Rossini. A energia rítmica, o brilho e a mobilidade das partes vocais exigiam dos intérpretes uma rica variedade de timbres, virtuosismo eescola de canto excepcional. Até as árias cantadas e recitativos nas composições de Rossini exigiam dedicação total.

O melodismo de Rossini abriu caminho para o clássico bel canto, distinguido pela completude de frases, suave e arejada, melodia suave e fluida (cantilena) e ardor sensualmente sublime. Vale ress altar que o próprio compositor conhecia a arte de cantar em primeira mão. Quando criança, cantou no coral da igreja e, na idade adulta, além de compor, dedicou-se com entusiasmo à pedagogia vocal e chegou a escrever vários livros sobre o assunto.

Pedagogia

O canto da ópera italiana, que se tornou um símbolo da cultura musical europeia dos séculos XVII-XIX, surgiu graças ao trabalho de talentosos e inovadores professores que estudaram canto e experimentaram a voz humana, aperfeiçoando seu som. As técnicas descritas em seus escritos ainda são utilizadas na preparação de cantores.

Nenhum detalhe escapou à atenção dos professores. Os alunos compreenderam os segredos da respiração cantada livre e fácil. O treinamento vocal assumiu volume sonoro moderado, frases melódicas curtas e intervalos estreitos, o que possibilitou a utilização da respiração da fala, caracterizada por uma respiração rápida e profunda seguida de uma expiração lenta. Complexos de exercícios foram desenvolvidos para treinar a produção sonora homogênea em registros agudos e graves. Até mesmo o treinamento em frente ao espelho fazia parte do curso de treinamento para artistas iniciantes - expressões faciais excessivas e uma expressão facial tensa denunciavam um trabalho convulsivodispositivo de voz. Foi recomendado manter-se solto, ficar em pé e com a ajuda de um sorriso para obter um som claro e próximo.

Novas técnicas de canto

Partes vocais complexas, dramaturgia e performances teatrais representavam tarefas difíceis para os cantores. A música refletia o mundo interior dos personagens, e a voz tornou-se parte integrante da imagem geral do palco. Isso se manifestou claramente nas óperas de G. Rossini e G. Verdi, cuja obra marcou a ascensão do estilo bel canto. A escola clássica considerava aceitável usar falsete em notas altas. No entanto, a dramaturgia rejeitou essa abordagem - na cena heróica, o falsete masculino entrou em dissonância estética com o colorido emocional da ação. O primeiro a superar esse limiar de voz foi o francês Louis Dupre, que passou a utilizar a forma de produção sonora, que estabelece mecanismos fisiológicos (estreitamento da laringe) e fonéticos (língua em posição em “Y”) de proteção da voz. aparelho e mais tarde chamado de “coberto”. Permitiu formar a seção superior da faixa de som sem alternar para falsete.

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Revisando a arte vocal operística, é impensável ignorar a figura e a herança criativa do grande compositor italiano G. Verdi. Ele transformou e reformou a ópera, introduziu contrastes e oposições de enredo. Ele foi o primeiro dos compositores a participar ativamente na elaboração do enredo, cenografia e produção. Em suas óperas, a tese e a antítese dominavam, sentimentos e contrastes se enfureciam, uniammundano e heróico. Esta abordagem ditou novos requisitos para os vocalistas.

O compositor criticou a coloratura e disse que trinados, notas de graça e gruppettos não são capazes de se tornar a base de uma melodia. Quase não há decorações ornamentais nas composições, permanecendo apenas nas partes de soprano, e depois desaparecendo completamente das partituras de ópera. As partes masculinas nos clímax foram movidas para o registro superior usando o "som coberto" já descrito anteriormente. Os intérpretes das partes de barítono foram obrigados a reconstruir o trabalho do aparelho vocal a partir de uma alta tessitura (arranjo de sons em alta altitude em relação à extensão do canto), ditada pelo reflexo do estado emocional dos personagens. Isso levou ao surgimento de um novo termo - "Verdi barítono". A obra de G. Verdi, 26 belas óperas encenadas no La Scala, marcou o segundo nascimento do bel canto - a arte de dominar a voz levada à perfeição.

Turnê mundial

O estilo vocal leve e gracioso não pode ser mantido dentro das fronteiras de um estado. A maior parte da Europa caiu gradualmente sob seu feitiço. O canto bonito conquistou o palco teatral mundial e influenciou o desenvolvimento da cultura musical europeia. Uma direção de ópera foi formada, que recebeu o nome de "belkanta". O estilo ultrapassou os limites de sua aplicação e entrou na música instrumental.

A melodia virtuosa de F. Chopin (1810-1849) sintetizou a poética popular polonesa e o bel canto operístico italiano. As heroínas sonhadoras e gentis das óperas de J. Masnet (1842-1912) estão cheias de charme belicoso. A influência do estilo acabou sendo tão grande que sua influência na música se tornou verdadeiramente grandiosa, indo do classicismo ao romantismo.

Conectando culturas

O grande compositor M. I. Glinka (1804-1857) tornou-se o fundador dos clássicos russos. A sua escrita orquestral - sublimemente lírica e ao mesmo tempo monumental - é recheada de melodia, na qual são visíveis tanto as tradições da canção folclórica como a sofisticação belkante das árias italianas. A cantilena peculiar a eles acabou sendo semelhante à melodiosidade das canções russas prolongadas - verdadeiras e expressivas. A predominância da melodia sobre o texto, cantos intra-sílabas (acentuação cantada de sílabas individuais), repetições de fala que criam a duração da melodia - tudo isso nas obras de M. I. Glinka (e outros compositores russos) foi incrivelmente harmonioso combinado com as tradições da ópera italiana. As canções folclóricas remanescentes, segundo os críticos, mereciam o título de "bel canto russo".

No repertório das estrelas

A brilhante era do bel canto italiano terminou na década de 1920. As convulsões militares e revolucionárias do primeiro quartel do século riscaram a essência normativa do pensamento operístico romântico, foi substituído pelo neoclassicismo e impressionismo, modernismo, futurismo e outros divididos em direções. E, no entanto, as famosas vozes operísticas nunca deixaram de se voltar para as obras-primas dos vocais clássicos italianos. A arte do "belo canto" foi brilhantemente dominada por A. V. Nezhdanov e F. I. Chaliapin. O mestre insuperável dessa direção de canto foi L. V. Sobinov, que foi chamado de embaixador do bel canto na Rússia. As grandes Maria Callas (EUA) e Joan Sutherland (Austrália), homenageadas pelos colegas com o título de "Voz do Século", o tenor lírico Luciano Pavarotti (Itália) e o insuperável baixo Nikolai Gyaurov (Bulgária) - sua arte foi baseada na base artística e estética do bel canto italiano.

Conclusão

Novas tendências na cultura musical não conseguiram ofuscar o brilho da clássica ópera bel cante italiana. Aos poucos, os jovens intérpretes buscam as informações preservadas nas notas dos mestres dos anos anteriores sobre respiração adequada, produção sonora, escultura de voz e outras sutilezas. Este não é um interesse ocioso. O público sofisticado despertou a necessidade não de ouvir uma interpretação moderna de obras clássicas, mas de mergulhar no confiável espaço temporário da impecável arte do canto. Talvez seja uma tentativa de desvendar o mistério do fenômeno do bel canto - como, na época da proibição das vozes femininas e da preferência por um registro masculino agudo, pode nascer uma direção de canto que sobreviveu séculos e se transformou em um sistema harmonioso que lançou as bases para o treinamento de vocalistas profissionais por vários séculos.